Com 25 anos de carreira musical, Eduardo Penna teve uma trajetória bastante prolífica na cena rock de Salvador, tendo sido vocalista, guitarrista e compositor nas bandas A Grande Abóbora e Los Canos. Após se mudar para Brasília, criou outros projetos como o Sexta tem Pilates e a Uine, e também lançou álbuns solo. Na noite de 06/12, pudemos vê-lo apresentar ao vivo, no Discodelia Pub & Record (Rio Vermelho), músicas dessas diversas fases, com a “Eduardo Penna e os seus”; esta nova banda conta com seus companheiros da Los Canos Maurício Baleeiro (bateria) e Gilberto Eloy (baixo) – ambos atualmente na Cobra City – e o guitarrista Bruno Carvalho (Meus Amigos Estão Velhos, Falsos Modernos).

Abrindo o evento de um artista com uma carreira extensa, temos o oposto: Charlie D., de 15 anos, fazendo seu primeiro show. Com um som que eu chamaria de indie rock (mas não sei se entendo direito dessas nomenclaturas ou se estou desatualizado), Charlie apresentou duas músicas próprias (“Não vou sair” e “Corpo morto”, já presentes nas plataformas digitais) e 3 covers: “Zombie” (Cranberries),  “Mad Hatter” (Melanie Martinez, que afirmou ser sua principal influência) e uma improvisada “Californication” (Red Hot Chilli Peppers) quando o público pediu mais uma música. A nova geração vem com tudo!

A principal atração da noite veio logo em seguida. Penna entregou um verdadeiro “greatest hits” de sua discografia, começando com a nova “Eu quero é prova” (do último álbum solo, “Rosa”), para logo depois relembrar a Los Canos com “Nada sem você”; e foi assim por todo o show, idas e vindas por estes 25 anos. 

Foi um show especial, repleto de participações igualmente especiais: Mariana Pacheco (mais conhecida como Mary Estrela da Los Canos) dividiu os vocais em “Essa é você” (da Sexta tem Pilates); Dudare (Meus Amigos Estão Velhos, Falsos Modernos) também foi pro vocal em Coração Bola Oito (Los Canos); Glauco Neves (Meus Amigos Estão Velhos) e Fernanda (a Nanda Abóbora), com sua filha, Stela, foram ao palco para reviver “Oi! Tudo bem?” da A Grande Abóbora (ele na bateria, elas nos vocais).

Charlie D voltou ao palco para cantar suas duas parcerias com Penna (“Apertar minha mente” e “Vazou”); e a última das participações, Martin Mendonça (Pitty) foi para a guitarra solo em outro hit da Los Canos, “Bandinha de rock” (com Nanda Abóbora, Stela e Natália, esposa de Penna, nos vocais também). Nesse e em vários momentos, foi como se eu estivesse no Calypso em “2000 e poucos” novamente; ainda mais quando, logo em seguida, veio mais uma da Los Canos para encerrar o show: o “rock sujo” de “Mercadologia”.

Falando em encerrar: a noite foi encerrada em alta voltagem com a Falsos Modernos. Rock dançante, com ótimos músicos (trazendo de volta o guitarrista Bruno e o baixista Dudare, citados acima) e vocal poderoso, e com direito a boas versões de “Monster potion n. 9” e “Psychogrubs”, duas músicas dos lendários Dead Billies. Também teve participação: Maurício Rocha (vocalista da banda Arrow) subiu ao palco no mesmo nível de empolgação para cantar “You really got me” (The Kinks). Agora deixa eu parar por aqui, porque o texto já está maior do que eu planejava: sinal de que foi realmente uma ótima noite de rock ‘n roll.

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Na noite de 23/11, a Green House abriu as portas para o “mini festival” criado pela banda paulista The Mönic: “Não tem banda com mina”. De nome irônico, o projeto serve como uma resposta à falta de espaço para as bandas de mulheres nos festivais de música do país. Encabeçada pela própria The Mönic (a própria sendo uma banda 100% feminina), a edição soteropolitana do evento contou com a também paulista Charlotte Matou um Cara, e com a cantora baiana Jany, que abriu o evento – e mesmo antes de os shows começarem, o som mecânico estava em sintonia com o evento:  músicas de bandas de mulheres como Time bomb girls, Far from alaska, INKY, To Define, entre outras, era só o que saía das caixas de som.

A banda de Jany era a única com homens (o baixista e o guitarrista), mas o girl power prevaleceu desde a primeira música. Com repertório calcado em músicas de cantoras brasileiras (como Rita Lee, Pitty e Cássia Eller), a baiana esbanjou voz, atitude e presença de palco (e também saindo dele pra se juntar ao público em vários momentos). Destaque para as versões rock ‘n roll de “Como nossos pais” (canção eternizada na voz de Elis Regina) e “You know I’m no good” (Amy Winehouse). Ainda teve espaço para algumas músicas autorais (“Ficou perdido”, “Sair de mim” e “Veneno”). 

Em seguida, tivemos a grande catarse punk rock/hardcore com a Charlotte Matou um Cara. De temática abertamente feminista, progressista e antifascista, as 4 mulheres atropelam tudo pela frente quando começam a tocar – e bem num momento propício, um dia após a aguardada prisão do ex-presidente Jair Bolsonaro. Rodas punk e gente pulando o tempo todo, como não se vê mais tanto nos shows de rock de Salvador. Destaque para o manifesto anti-PM, “Tiro, porrada e bomba”, a crítica certeira aos machos escrotos da cena, “punk mascuzinho”, e para a versão “charlotiana” de “Festa Punk” (Replicantes), só com nomes de bandas femininas.

Encerrando a noite, a The Mönic! O trocadilho do nome da banda (feminino, mas “demoníaco?”) é justificado em suas músicas: contraste entre vocais melódicos e gritados, entre melodias pop e peso quase “metálico” em alguns momentos. Com gritos ou sem gritos, elas colecionam refrões grudentos e bons de cantar junto (“TDA”, “Bateu” e “Simplifica”), mas também tem seus momentos de crítica agressiva, tanto na letra quanto no instrumental (como em “Lobotomia”).

Tudo isso com uma banda muito afiada e com muita presença de palco. Ainda teve a participação da baixista da Charlotte Matou um Cara, Camila Brandão, tocando guitarra em “TDA” (momento em que a vocalista e guitarrista  Dani Buarque desceu do palco e foi cantar com a galera) e Jany voltando ao palco para cantar “Simplifica”. Só podemos concluir que “tem banda com mina”, sim, é não deixar o machismo te deixar surdo para o rock dos bons que elas fazem.

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A primeira faixa, “Ancorado“, sintetiza bem esse novo momento da MAEV: com um riff melódico, teclados/sintetizadores e letra romântica, me lembra ao mesmo tempo o indie rock dos anos 2000 e o pop rock oitentista nacional. The Killers meets Guilherme Arantes. Mas minha parte preferida são os quase dois minutos instrumentais no final da música.

Outras músicas do álbum  seguem mais ou menos essa linha, dentre elas: “Gosto tanto de você“, uma balada romântica, com ecos de Beatles e Radiohead, com suíte instrumental mais “roqueira” no final; e “Tudo tem você“, outra balada “assobiável”, mas que ganha força e peso no refrão. No meio da música, uma voz feminina representando uma mensagem de áudio terminando um relacionamento: “acho que não faz sentido nem a gente conversar mais”. Cruel…

“Seja mentira” por sua vez, já nos leva a lembrar do “Mojave Mojito”: rockão direto, com letra ácida e com direito a dois solos de guitarra. Assim como “Nunca me lembro” , nervosa, acelerada e cheia de riffs, que conta com a participação de Jajá Cardoso e Luca Bori da Vivendo do Ócio (e que cairia muito bem na própria VDO – foi composta por eles, afinal). 

Outros destaques do disco são “Reveillon“, canção bem tranquila e “good vibes” que fala sobre as expectativas que surgem numa virada de ano, e foi inspirada justamente no clima de esperança e otimismo com a mudança de governo no país em 2023; e “Música do sono” única faixa com o guitarrista Bruno Carvalho no vocal principal –  melancólica, tem uma atmosfera onírica, mas fala sobre insônia e sentir falta dos sonhos.

“Falsa Alegria“, música que dá nome ao álbum, também se encarrega de terminá-lo, de maneira bem diferente de como começou. No more good vibes aqui: 2 minutos e 3 segundos de raiva, reclamação e barulho, para que a gente não se esqueça que nossos velhos amigos continuam tão rock ‘n roll como sempre. No mais, se por acaso esse texto estiver equivocado, me despeço dizendo à banda um dos refrões do disco que ficaram em minha cabeça: “me desculpe qualquer coisa”…

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A chuva torrencial (que resolveu vir com tudo bem na hora do show) provavelmente contribuiu para que o público fosse menor do que o esperado. Mas a sempre simpática Érika não pareceu se abater com isso, aparecendo para conversar com as pessoas e circular pelo ambiente antes mesmo de começar o show. Quando finalmente subiu ao palco, iniciou sua apresentação com “A verdade liberta”, música de sua carreira solo, numa versão bem diferente da registrada em estúdio, apenas com vocais, guitarra e baixo. Logo em seguida, já veio um grande hit da Penélope, “Namorinho de Portão”, com uma programação substituindo a bateria.

O show seguiu com esse “passeio” pela carreira da cantora, com músicas da Penélope (“Caixa de Bombom”, “Holiday”), carreira solo (“Fundidos”) e covers/versões, como “Popstar”, de João Penca e Seus Miquinhos Amestrados, “In Between Days” (The Cure), “Desculpe o auê” (Rita Lee), e até uma música em francês (“Zou Bisou Bisou”, de Gillian Hills). Em algumas músicas, Érika tocou guitarra; em outras, “apenas” cantou, e desceu do palco para interagir com o público, cantando próximo a eles e mesmo dando o microfone para que alguns participassem.

A última música do set foi “Con el mundo a mis pies”, que esteve presente na trilha sonora da novela “Travessia”. Mas como sabemos, sempre tem o “bis”: foi o momento de atender os pedidos do público, como “Circo”, da Penélope – e inclusive atendeu um pedido meu“ (Sacarina”, lançada no seu primeiro disco solo). Érika ainda cantou outras músicas, como “A menina dança” (Novos Baianos), “Rolo compressor” (que ela gravou com os Autoramas), e encerrou a noite com mais uma da Rita Lee, “Flagra”.

“Balneário Charmoso” foi um show bem diferente dos outros dois que já vi com Érika Martins (um da Penélope e um em carreira solo): mais intimista, sem bateria, mas com um destaque maior para seu lado “cantora” (ela estava cantando como nunca – ou como sempre!) e com bastante interação com o público. Ao final, fui finalmente tirar minha foto com ela, e saí contente por ter visto o show de uma das minhas cantoras preferidas depois de tanto tempo.

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O show começa justamente representando este momento de transição, com uma gravação simulando uma mensagem de voz da cantora, avisando ao produtor Rafael Ramos que tinha enviado pelo correio as demos de seu novo projeto. Logo em seguida, Pitty e banda tocam “Teto de Vidro”, primeira faixa do Admirável Chip Novo, para delírio do público – que se empolgou mais ainda com a música seguinte, a faixa que dá nome ao disco. 

Antes de “Máscara” (a próxima música, seguindo a ordem do álbum), outra gravação retratando outro momento do passado: o produtor discordando da indicação da cantora em colocar esta música como primeiro single, por ser “pesada, grande e com parte em inglês”. Pitty bancou a sua escolha e, como sabemos, estava certa. Outra música que foi cantada em uníssono pelo público. E assim foi em praticamente toda a primeira parte do show, na qual o disco foi tocado na íntegra. 

“Acabou o Admirável Chip Novo, mas não acabou o show”, Pitty anunciava, antes de dar início ao que ela chamou de “segundo ato”: uma sucessão de covers que representariam as suas influências, como “Love Buzz” (Nirvana) e “Femme Fatale” (Velvet Underground) – com exceção de “Seu mestre mandou”, que iniciou esse segundo ato e que, até onde eu sei, é da própria Pitty…

Por fim, no chamado terceiro ato, foram tocados alguns dos hits dos outros discos, como “Setevidas”, “Memórias”, “Pulsos”, até terminar com mais um grande hit, “Me adora”. Pitty encerra o show emocionada e prometendo voltar logo, enquanto o público clamava por um bis. “É possível ter rock de graça no Rio Vermelho”, ela disse. No que depender dessa “multidão de camisas pretas”, é possível sim.

Repertório:

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– Não. A MAEV NÃO pega leve.

O diálogo acima, que aconteceu na caixinha de perguntas do Instagram da Meus Amigos Estão Velhos (MAEV), teve sua razão de ser. A banda, conhecida por suas performances enérgicas, com bateria e guitarras marcantes, iria se apresentar na Sala do Coro do Teatro Castro Alves. Um lugar bastante especial para o show de lançamento do segundo EP da banda, “Soa Como Caos”.

Mas logo na primeira música, qualquer tipo de dúvida em relação a isso caiu por terra. O “supergrupo” do rock baiano começou a apresentação com a intensa (e nada “leve”) “Camisa Preta”, já mostrando a que veio. Em seguida, “Novos Amigos”, uma das minhas preferidas do novo EP, “roqueira” e melódica na medida certa. E lá pela terceira ou quarta música, o baterista Glauco Neves “estourou” uma pele da bateria (quem iria pegar leve mesmo?).

O show, que contou com uma produção impecável de iluminação, som e tudo mais, foi uma viagem pela carreira do quarteto, abordando inteiramente os dois Eps (“Mojave Mojito” e “Soa Como Caos”), mas também com músicas novas, que serão lançadas em um novo álbum, ainda neste ano. Dentre elas, tivemos a psicodélica “Música do Sono”, primeira música da banda cantada pelo guitarrista Bruno Carvalho – segundo ele, primeira e única…

Outro momento inédito foi a participação de Jajá Cardoso e Luca Bori, da Vivendo do Ócio. A dupla dividiu o palco com a MAEV em três músicas: “Nunca Me Lembro” (música composta por Jajá para a banda), “Carranca” e “Nostalgia” (duas músicas da Vivendo do Ócio). O entrosamento entre eles foi notável, com Thiago Guimarães (vocalista e guitarrista da MAEV) dividindo os vocais com Jajá em “Nostalgia”.

Após tantas novidades, a última parte do show foi quase inteiramente dedicada ao “Mojave Mojito”, com exceção de “Mamata”, dedicada a “um pessoal que apareceu em 2018 achando que a mamata iria acabar” – e que não acabou, como bem sabemos… Já no “bis”, outro momento inusitado (e inesperado): Benjamin, filho de Glauco Neves, realizou seu sonho de estar no palco e “tocou guitarra” (ou pelo menos fingiu que tocou, né) em “Fui Eu”. Esse encontro de gerações encerrou perfeitamente este show histórico para a MAEV, e certamente um dos melhores shows de rock de 2022 em Salvador.

Confiram as fotos do show:

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O EP já começa “nervoso” com os 44 segundos de fúria de “Nêmesis”, que fala de uma terra arrasada (talvez o nosso país, principalmente de 2019 pra cá…). Em seguida, “Precipitações” surge igualmente acelerada, para depois mudar para uma levada mais “punk rock”, enquanto dispara versos atormentados. A terceira faixa, “Fechado em copas”, possui uma cadência mais quebrada, mas mantém a fúria nos vocais. Logo após, “Amuo”, que dá nome ao disco, traz um ótimo riff na introdução e um instrumental impecável. A letra parece um poema maldito e sombrio.

“Atarantado”, a quinta faixa, tem uma levada bastante “ramônica”, bons riffs, desespero e desalento. As duas últimas, “Ausente e esquecido” e “Mendaz”, reduzem um pouco a velocidade, mas mantendo o peso e a qualidade instrumental, fazendo que você queira ouvir tudo de novo quando terminam (10 minutos é muito pouco!).

Com “Amuo”, a Lasso amplia a sonoridade da banda, em comparação ao primeiro EP, mais voltado para o hardcore. Com o retorno dos shows após a redução dos casos de COVID-19, a banda pôde enfim começar a se apresentar pelo Brasil, e sairá em turnê pela Europa em maio, deixando de se tornar uma banda “pandêmica” e mostrando sua fúria punk nos palcos do Brasil e do mundo.

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“Why” abre o EP com um riff acelerado, vocal atormentado com ecos de Silverchair e Pearl Jam, guitarras cheias de overdrive… enfim, grunge “na veia”. Na letra, um dos lamentos mais universais: “How could you leave me?” (“como você pôde me deixar?”). A segunda faixa, “Overrated”, mantém o álbum em alta velocidade com um riff grave com pegada stoner, mas se torna mais melódica no refrão, e traz um bom solo de guitarra.

“Figure out”, por sua vez, chega com uma sonoridade mais indie, mas fica mais “pesada” e arrastada no refrão (onde chega a lembrar Queens of the Stone Age), quando pede para um certo alguém: “want you just to think about why I don´t like you” (só quero que você pense sobre por que eu não gosto de você”).

Em seguida, temos “Insidead”, que começa bastante melódica, mas em após alguns segundos vai fazer você bater cabeça com o riff distorcido e a bateria “quebrada” – falando em distorção: os timbres de guitarra são muito bons em todo o álbum. O vocal segue numa crescente de desespero, acompanhando os diversos sentimentos da música. A letra fala de sofrimento, tensão e desilusões, encerrando com a frase: “I don’t want to be insidead” (“eu não quero estar morto por dentro”).

A quinta faixa, “Down” é um raro momento de “calma” do álbum, desta vez, mantendo-se melódica e quase “acústica” do início ao fim, com a distorção aparecendo apenas na introdução e no no belo solo de guitarra. A letra tão melancólica quanto a melodia: “On the ocean I drown/among the pieces of my own” (“no oceano eu me afogo/entre os pedaços de mim mesmo”).

E por fim, “Wasted days”, com seus mais de 5 minutos, alterna entre uma calma melancolia e explosões de desespero, encerrando em grande estilo um conjunto de músicas que merecem ser ouvidas com atenção (de preferência, com fones de ouvido), para uma total imersão no universo da Sofie Jell.

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Após uma apresentação da banda numa simulação de programa de rádio, temos a primeira faixa “Came home”, já metendo o pé na porta com um “rockão” cheio de riffs certeiros e vocais inspirados. Ao final, a música acelera o ritmo com um belo solo de guitarra.

“Everybody hates me” (“Todo mundo me odeia”) é o primeiro verso da segunda faixa, “Burp”, com um riff rápido e cortante de apenas dois acordes e vocais que passam urgência . “I´m not living a lie” (“Não estou vivendo uma mentira”), a letra repete, antes de, desta vez, desacelerar quando o solo de guitarra se inicia.

Outros destaques são a arrastada e pesada “Doom”, com a bateria de Dimmy roubando a cena no final; “F.O.G.O.”, a faixa mais stoner do álbum, com um riff grave e pesado, mais uma que termina com um solo de guitarra matador; e “Bug luv”, encerrando o álbum de uma forma diferente: uma canção “acústica” que destaca novamente os vocais.

Com “O Carro em Chamaz”, a Black Diamond Lake apresenta um trabalho que, embora não seja exatamente inovador, revela uma paixão pelo rock ´n roll através de boas canções tocadas com muito esmero (e peso!). Um disco pra ouvir bem alto na estrada, em casa ou onde você quiser.

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